Edvard Munch. Un poème de vie, d’amour et de mort – par Hélène Heyraud

Edvard Munch. Un poème de vie, d’amour et de mort, Paris, musée d’Orsay (du 20 septembre 2022 au 22 janvier 2023).

L’exposition, Edvard Munch. Un poème de vie, d’amour et de mort, a été réalisée sous le commissariat de Claire Bernardi, directrice du musée de l’Orangerie, avec la collaboration d’Estelle Bégué, chargée d’études documentaires au musée d’Orsay. Elle s’inscrit à la suite des diverses expositions promouvant les peintres et l’art du Nord de l’Europe, comme le peintre finlandais Akseli Gallen-Kallela en 2012 ou l’exposition Âmes sauvages en 2018.

Célèbre et pourtant méconnu, Edvard Munch (1863-1944) est un peintre norvégien prolifique, ayant produit pendant près de soixante ans des peintures à l’huile, des estampes, des dessins et des écrits, qu’il légua à sa mort à la ville d’Oslo. Ainsi naquit le Munchmuseet, partenaire de cette exposition parisienne, qui a prêté pour l’occasion un nombre important de productions.

Déjà présentée il y a plus de dix ans à travers ses liens avec l’hexagone (Munch et la France, 2011), l’œuvre d’Edvard Munch prend toute son ampleur dans une rétrospective organisée thématiquement et non chronologiquement. La grande cohérence de l’œuvre de l’artiste se déploie grâce à des idées transversales telles que celles de cycle, de métabolisme et de frise de la vie. Cette diversité accentue ainsi l’importance d’une globalité au travail dans son art, tant dans les thèmes que dans le processus créatif lui-même, de la conception à la réalisation des toiles, jusqu’à leurs reprises et leurs évolutions à travers différents formats ou médiums. Le titre de l’exposition « Un poème de vie, d’amour et de mort » fait d’ailleurs référence à une citation de l’artiste à propos de la frise de la vie, qui « a été pensée comme une série cohérente de tableaux, qui doivent donner un aperçu de la vie. J’ai ressenti cette fresque comme un poème de vie, d’amour, de mort… » (Edvard Munch, La Frise de la vie, 1919).

Les neuf salles d’exposition s’organisent selon les thématiques parcourant sa production : « De l’intime au symbole » ; « Explorer l’âme humaine » ; « La Frise de la vie » ; « Les vagues de l’amour » ; « Reprises et mutations du motif » ; « Le drame du huis-clos » ; « Mise en scène et introspection » ; « Le grand décor » ; « Épilogue ».

Des citations de Munch ornent les murs de l’exposition et guident le spectateur dans son cheminement artistique et réflexif ; on découvre alors un artiste écrivant, prolixe à propos de ses œuvres et de sa vie, notant sans cesse ses pensées sur le papier. La reprise des textes fait écho à la reprise des thèmes et des motifs picturaux. Comme d’autres peintres de la fin du dix-neuvième siècle, tels que Gustave Moreau, Munch couche dans des carnets de croquis, sur les esquisses elles-mêmes parfois, des morceaux d’écrits, faisant ainsi de l’art – littéraire ou pictural – le guide de son existence. Le catalogue d’exposition ainsi qu’une sélection de textes rassemblés et publiés à l’occasion de l’événement permettent de mieux saisir l’ensemble de cette production pluridisciplinaire, et d’appréhender le rôle de l’écriture dans le processus créatif de l’artiste. La célèbre œuvre Le Cri, par exemple, dont il existe cinq versions (deux peintures, un pastel, un dessin au crayon et une lithographie) réalisées entre 1893 et 1917, est accompagnée dès sa conception d’un poème en prose – lui aussi repris plusieurs fois – écrit dès 1891-1892, en marge d’un dessin réhaussé à la gouache représentant non pas encore Le Cri, dans sa version connue, mais Le Désespoir (1892, Thieslska Galleriet, Stockholm), variante du thème reprenant les lignes directrices de la composition et la palette colorée.

L’exposition permet de revoir la place et le rôle d’Edvard Munch dans la peinture moderne en conjuguant deux tendances habituellement distinguées : celle du symbolisme d’un côté, perceptible dans les thèmes ; et celle de l’expressionnisme de l’autre, visible dans l’évolution plastique.

La dimension symboliste de l’œuvre de Munch se déploie dans les thématiques qui occupent son art tout au long de sa vie. Des années 1880 – années majeures du symbolisme européen, pendant lequel il évolue dans les cercles bohèmes de Kristiana et d’Allemagne – le peintre ancre les idées et l’iconographie qui se transformeront au gré des variations (medium, motifs, techniques).

La dimension dite expressionniste de l’œuvre se développe plutôt, quant à elle, dans la plastique, les recherches chromatiques et les techniques, au service des thématiques universelles, revisitées de manière personnelle – par exemple, Le Lit de mort (1895, Kode Art Museum) et La Lutte contre la mort (1915, Munchmuseet).

Munch rapproche sans cesse des événements intimes et universels, passant de l’anecdotique à l’allégorique. Pour exemple, l’œuvre étonnante titrée La Mort de Marat (1907, Munchmuseet), dans laquelle l’artiste fait une allusion historique – rare dans son œuvre – au célèbre épisode de l’assassinat de Marat par Charlotte Corday en 1793 : Munch emprunte ici l’iconographie du célèbre tableau de Jacques-Louis David pour lui conférer un caractère autobiographique. Se mettant ainsi en scène, Munch expose la dimension fortement conflictuelle de sa relation avec Tulla Larsson, son ancienne compagne. Leur dernière dispute se termine par un tir de révolver blessant Munch à la main. Sur le tableau, le personnage de Munch-Marat est allongé sur le lit, la main baignée de sang, et Tulla Larsson-Charlotte Corday, se tient nue, face au public, en position frontale.

Les salles consacrées à ses relations professionnelles avec le théâtre et les commandes (universités, lieux privés) montrent la polyvalence et la capacité d’adaptation de Munch aux divers projets qui scandent sa carrière, ainsi que la réalité du travail de peintre au début du vingtième siècle.  

La salle consacrée aux « Reprises et mutations du motif » permet de saisir les enjeux plastiques et innovants de l’œuvre du peintre, qui fait inlassablement varier les motifs, les compositions ou les techniques de productions antérieures. L’introduction des techniques de gravure, dès les années 1890, offre à Munch de diffuser son œuvre plus largement et d’explorer un vaste terrain d’expressivité plastique. Une fois les techniques traditionnelles appréhendées, l’artiste les fait évoluer. On trouve ainsi exposé un ensemble de quatre productions autour du thème des Jeunes filles sur le pont – lui-même étant une évolution revisitée du thème de la puberté – illustrant ces jeux plastiques, dans lesquels les techniques se superposent et se mêlent : une zincographie (1918, Munchmuseet), une gravure sur bois et zincographie (1918, Munchmuseet), une gravure sur bois à la gouge avec rehauts d’aquarelle (1918, Munchmuseet) et une gravure sur bois à la gouge et au burin (1905, Munchmuseet), qui attestent des différentes techniques que s’approprient Munch tout au long de sa carrière.

L’épilogue de l’exposition se termine sur deux thèmes qui font la synthèse de son art : la nature, avec l’une des versions de La Nuit étoilée (1922-1924, Munchmuseet), inspirée de l’œuvre de Van Gogh, et l’introspection, avec un Autoportrait en enfer (1903, Munchmuseet).

Tiraillé entre une vie professionnelle parsemée de rejets et d’affirmations fortes de sa personnalité et une vie personnelle marquée par la mort de ses proches et les drames sentimentaux, Edvard Munch développe une expression artistique qui est bel et bien une expression de la vie, conjuguant son rapport aux autres et à sa propre singularité, montrée crument, et son rapport universel à la nature, son insertion dans le monde, idéalisé.

Hélène Heyraud

Catalogue : Bernardi Claire (dir.), Edvard Munch. Un poème de vie, d’amour et de mort, cat. expo., Paris, Musée d’Orsay / Réunion des Musées Nationaux, 2022.

À lire : Mots de Munch, sélection de textes d’Edvard Munch, illustrés par une cinquantaine d’œuvres de l’artiste, Paris, Musée d’Orsay / Réunion des Musées Nationaux, 2022. Voir également la publication antérieure de Poggi Jérôme (éd.), Edvard Munch. Écrits, Paris, Presses du Réel, 2011.

Ces comptes rendus d’expositions sont publiés en complément des articles du Magasin du dix-neuvième siècle, revue annuelle de la SERD. Pour proposer un compte rendu, adresser un courrier à expoxix (chez gmail).

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