Achille Laugé. Le néo-impressionnisme dans la lumière du Sud – par Marie-Charlotte Lamy

Achille Laugé. Le néo-impressionnisme dans la lumière du Sud, Lausanne, Fondation de l’Hermitage (du 24 juin au 30 octobre 2022)

Pour la première fois en Suisse, la Fondation de l’Hermitage, qui surplombe la cathédrale aux empreintes d’Eugène Viollet-le-Duc, consacre une rétrospective à l’artiste Achille Laugé (1861-1944), peintre néo-impressionniste tombé dans l’oubli. Formé d’abord à Toulouse, puis à Paris où il séjourna durant sept années et côtoya les grands noms de l’art de la fin du XIX^e siècle, l’artiste décida de se reclure en 1888 dans sa région natale, l’Occitanie. C’est cette luminosité caractéristique du Sud que le peintre voulait appréhender dans sa peinture et ce, à l’aide d’une technique divisionniste qui lui est propre et directement inspirée de l’œuvre Un dimanche après-midi à l’île de la Grande Jatte de Georges Seurat ; du moins, c’est ce que veut montrer l’Hermitage au public. La date-clé de 1888 constitue dès lors le point de départ de l’exposition qui s’organise de manière thématique autour de l’œuvre de Laugé, présentée grâce à environ soixante-dix peintures.

Au rez-de-chaussée, les deux premières salles donnent le ton de l’exposition : vouloir montrer la singularité de l’artiste. Sont alors présentés des portraits, genre pictural peu commun dans la pratique des artistes qui maîtrisaient la touche divisée. Sur des murs d’un doux bleu ciel, la première salle regroupe des portraits en buste de petit format, alors que la seconde présente de grands portraits en pied, dont le Portrait de Madame Astre (ill. 1), l’une des plus belles réalisations de Laugé. Ces différentes œuvres invitent les specateur·rice·s à se prêter au jeu du rapprochement et de l’éloignement des toiles, tant la technique du peintre a en effet de quoi fasciner.

La troisième salle s’articule autour des natures mortes, et plus particulièrement des représentations de fleurs en vase. À nouveau, il s’agit d’un genre spécifiquement traité par Laugé et rendu captivant grâce à la technique divisée de ce dernier. Des arrière-plans clairs et sobres ressortent les couleurs des différentes sortes de fleurs, elles-mêmes rassemblées dans des vases transparents sur lesquels s’exerce un jeu d’optique rendu par le peintre (ill. 2). En outre, la vue générale de ces tableaux rend bien compte de la tendance japonisante régnant à la fin du XIX^e siècle et dont Laugé put s’imprégner lors de son séjour à Paris.

Cette tendance constitue dès lors le lien avec la suite de l’exposition qui se poursuit au premier étage, cette fois-ci avec des paysages dont la composition de certains est empruntée aux estampes japonaises, tels que L’Arbre en fleur (ill. 3). Trois salles en enfilade présentent la part la plus importante de l’œuvre de l’artiste, en miroir avec les fenêtres du musée qui s’ouvrent sur les arbres du parc de l’Hermitage. La première salle regroupe des petits formats et la seconde de plus grands tableaux exécutés pour la plupart dans les années 1890. Contrairement à ses contemporains, Laugé préférait représenter les paysages avec une certaine précision, en usant notamment de la géométrie, plutôt que d’en donner une impression, ce qui signifie également qu’il peignait, non pas d’après un souvenir, mais en posant son chevalet au bord de la route grâce à une « roulotte-atelier ». Quant à la dernière salle, elle regroupe les paysages exécutés autour du village du Cailhau, afin de montrer l’inscription très locale de l’artiste. On observe également qu’il s’agit d’une production des années postérieures à 1900 et qui témoigne d’un changement dans le style de Laugé, s’essayant à une touche plus épatée.

D’envergure plus modeste, le second étage, qui constitue les combles – un peu sombres – de la Fondation, présente de petits portraits des ami·e·s du peintre. C’est également l’occasion de voir quelques réalisations au pastel, à la technique hachurée, pour changer un peu des huiles divisionnistes qui constituent l’exposition.

Finalement, il faut descendre au sous-sol pour terminer la visite. Dans la première petite salle, d’autres natures mortes sont exposées, mélangeant fleurs et fruits. On observe les différents essais techniques de Laugé, surtout avec le changement de touche entre les œuvres exécutées avant et après 1900. Ce renouvellement est justement mis en exergue dans la dernière salle qui propose des peintures plus tardives, des années 1920 et 1930. Les paysages architecturaux qui y sont exposés permettent d’observer non seulement l’élargissement de la touche mais également l’utilisation d’une palette plus vive qui témoigne d’une rencontre de l’artiste avec les œuvres fauvistes.

Avec cette exposition, la Fondation de l’Hermitage sort Achille Laugé de l’ombre et permet de revaloriser une figure du néo-impressionnisme qui connut un parcours autre que ses contemporains parisiens. En effet, dans les textes explicatifs ainsi que dans le catalogue, notamment rédigé par la grande spécialiste de l’artiste, Nicole Tamburini, ne cessent d’être invoqués des termes tels que « original », « atypique », « particulier », « singulier », « indépendant » ou encore « personnel ». Mais à trop vouloir mettre en valeur la singularité de Laugé, ne se retrouve-t-il pas à nouveau isolé, cette fois-ci entre les murs de l’Hermitage ? À l’exception d’un petit portrait d’Aristide Maillol, avec qui le peintre entretenait de fortes relations, aucun autre artiste n’est exposé. Il n’est donc pas forcément évident, pour les non spécialistes, de comprendre en quoi Laugé doit être considéré comme exceptionnel. Il n’en demeure pas moins que la richesse des œuvres regroupées offre une agréable promenade pour les yeux.  

Marie-Charlotte Lamy

Catalogue :

Achille Laugé, Sylvie Wuhrmann et Nicole Tamburini (dir.), Lausanne / Gand, Fondation de l’Hermitage / Éditions Snoeck, 2022.

Ces comptes rendus d’expositions sont publiés en complément des articles du Magasin du dix-neuvième siècle, revue annuelle de la SERD. Pour proposer un compte rendu, adresser un courrier à expoxix (chez gmail).

---

---