Bonnard. Les couleurs de la lumière / Maurice Denis. Bonheur rêvé – par Olivier Sauvage

Bonnard. Les couleurs de la lumière, Musée de Grenoble (du 29 octobre 2021 au 29 janvier 2022).

Maurice Denis. Bonheur rêvé, Saint-Germain-en-Laye, Musée départemental Maurice-Denis (du 18 septembre 2021 au 19 juin 2022).

Protagonistes du mouvement nabi, Pierre Bonnard et Maurice Denis viennent de faire l’objet de deux rétrospectives distinctes à Grenoble et Saint-Germain-en-Laye.

En partenariat avec Orsay, le musée de Grenoble propose un parcours de six sections thématiques embrassant la totalité de l’œuvre de Bonnard, avec 75 peintures, une trentaine de dessins et d’affiches, et une vingtaine de photographies. La lumière et ses multiples facettes en constituent le judicieux fil rouge.

1. Pierre Bonnard, La Place Clichy [1912], huile sur toile, 138 x 203 cm, donation d’Adèle et George Besson, 1963, Paris, Centre Pompidou, en dépôt au Musée des Beaux-Arts et d’Archéologie de Besançon, numéro d’inventaire AM 4224 P (22). Photo : DR.

La première salle se focalise sur les attaches dauphinoises de l’artiste, qui passa de nombreux étés dans la propriété du Grand-Lemps, entre La Tour-du-Pin et Grenoble. Bonnard y retrouvait sa sœur Andrée et son époux, le compositeur Claude Terrasse, entourés de leurs cinq enfants. Bonnard exécute en Isère ses premiers paysages, de « grandes compositions aux lumières vaporeuses » (dossier de presse, p. 4) dont la facture témoigne de son engagement auprès des Nabis. La lumière et la luxuriance végétale du Grand-Lemps se retrouvent d’ailleurs dans ses toiles parisiennes. La capitale constitue précisément le deuxième thème de l’exposition. En peintre de la vie moderne, Bonnard arpente les rues qui lui sont le plus familières, des Batignolles à Montmartre, pour immortaliser des scènes du quotidien qu’il transfigure ensuite dans des toiles influencées par l’art japonais. Il saisit la « Ville Lumière » à différents moments du jour et de la nuit, modulant sa palette chromatique. Sa Place Clichy peinte en 1912 (ill. 1) en fournit un saisissant exemple. Les atmosphères grises et bleutées alternent avec des vues nocturnes parfois ponctuées de couleurs violentes qui restituent le dynamisme urbain et sa vivacité chaotique. La Normandie, qui a attiré tant d’artistes conquis par ses ciels, constitue la troisième étape de l’exposition. Admirateur de Monet, auquel il rendit visite à plusieurs reprises à Giverny, Bonnard acquiert en 1912 la propriété « Ma Roulotte » située dans la localité voisine de Vernonnet. Construite en 1903 pour le peintre Hippolyte Camille Delpy, élève de Daubigny, cette demeure avait été louée par Bonnard à partir de 1910. Depuis son jardin surplombant la Seine, Bonnard peint de multiples paysages panoramiques baignés par la douce lumière normande. Utilisant la porte-fenêtre de son salon comme dispositif dans ses premières compositions, il mêle habilement l’espace intime de la maison à l’environnement extérieur.

Par contrepoint, la salle « Entre ombre et lumière » met en exergue les scènes d’intérieur peuplées de personnages féminins, mais aussi d’animaux et d’objets qui expriment selon les toiles la douceur de vivre domestique, la solitude, ou encore l’incommunicabilité. Dans ces scènes de huis clos, Bonnard développe une « manière noire » à partir des années 1900. La lumière transperce l’ombre, produisant de saisissants effets de contraste. Au cours de la décennie suivante, un éclairage de plus en plus irréel transfigure ces visions du quotidien.

La section « Reflets » met en exergue un thème central chez Bonnard, celui du nu féminin. Outre Marthe, sa compagne, l’artiste prit aussi comme modèles Lucienne Dupuy de Frenelle et Renée Montchaty, qui firent partie de ces « inspirantes inspiratrices » auxquelles le Musée Bonnard du Cannet rendit hommage en 2018 à l’occasion d’une exposition portant ce titre. À la manière de Degas, Bonnard multiplie les scènes intimistes montrant des femmes à leur toilette, en usant d’une grande inventivité de cadrage. Il sait aussi varier les points de vue et user des ressources offertes par les jeux de miroirs pour fragmenter l’espace.

2. Pierre Bonnard, L’Atelier aux mimosas [1939-1946], huile sur toile, 127,5 x 127,5 cm, achat en 1979, Paris, Centre Pompidou, n° d’inventaire AM 1978-732. Photo : DR.

L’exposition se clôt sur un ensemble de toiles célébrant le soleil méridional. Bonnard découvre la Côte d’Azur en 1904, accompagné de Vuillard et Roussel. Ses rencontres avec Signac et Valtat, installés à Saint-Tropez, le conduisent à modifier sa technique picturale. La lumière du Midi le séduit tant que Bonnard y retourne régulièrement, louant des villas à Grasse, Antibes, Cannes, avant de se porter acquéreur d’une demeure située au Cannet. Dans sa maison avec vue sur la mer, il enrichit encore sa palette avec l’ambition de restituer l’intensité de la lumière méditerranéenne. Le jaune apparaît comme sa couleur de prédilection, ce dont L’Atelier aux mimosas (ill. 2), l’une des dernières toiles de Bonnard, commencée au Cannet en 1939 et achevée à Fontainebleau un an avant sa mort, témoigne avec éclat. Sophie Bernard note que ce jaune qui « palpite et vibre dans la peinture de Bonnard exprime lui aussi toute la complexité de sa création. Couleur équivoque et ambivalente, il est pour l’artiste un monde en soi. » (catalogue, p. 26)

 C’est encore à la commissaire de l’exposition que nous empruntons les propos suivants : « La peinture de Bonnard dit l’ambivalence du monde, en pointe les dissonances. Sa simplicité ne doit en rien occulter sa profondeur, sa complexité fondamentale. Plus subtil qu’il n’y paraît, l’artiste est souvent apparu faussement naïf et indécis, ou encore ‘délibérément évasif et trébuchant’ selon les mots de Pierre Schneider. » (ibid.) L’exposition grenobloise parvient parfaitement à restituer la véritable portée de l’art de Bonnard, par-delà l’impression trompeuse de facilité qui peut s’en dégager pour un spectateur qui s’en tiendrait à une appréhension superficielle de ses toiles.

Le musée du Prieuré de Saint-Germain-en-Laye, créé en 1980 par le Conseil général des Yvelines à la faveur d’une donation des descendants de Maurice Denis, et qui vient de rouvrir après trois années de travaux, a fait beaucoup pour accroître l’audience de Maurice Denis. Grâce à des prêts exceptionnels consentis par des collectionneurs et différents établissements, au premier rang desquels Orsay, l’exposition Bonheur rêvé propose de revisiter l’œuvre d’un artiste à la fois peintre, décorateur et théoricien. Fabienne Stahl, commissaire de l’exposition, a élaboré un parcours chronologique en quatre temps. « Le Nabi aux belles icônes (1870 -1893) » revient sur les années de formation de Maurice Denis, dont la foi catholique tôt affirmée le conduit à souhaiter devenir peintre tout en dédiant son œuvre à Dieu. En 1888, à l’Académie Jullian, il fait la connaissance de Paul Sérusier. Ce dernier est à l’origine de la fondation du groupe des Nabis, dont feront aussi partie Bonnard, Vuillard, Ker-Xavier Roussel, Henri-Gabriel Ibels et Paul Ranson. Séjournant à Pont-Aven durant l’été 1888, Sérusier avait peint un petit panneau, Le Talisman, à partir d’indications fournies par Paul Gauguin. Ce tableau, reprenant l’esthétique du synthétisme cher à Gauguin, ouvre une autre voie à l’art moderne. Dans son article « Définition du néo-traditionnisme » publié dans la revue Art et critique les 23 et 30 août 1890, Maurice Denis en résume l’esprit : « Il est bon de rappeler qu’un tableau, avant d’être un cheval de bataille, une femme dénudée, ou une quelconque anecdote, est essentiellement une surface plane recouverte de couleurs en un certain ordre assemblées ». Cette phrase, souvent citée, a valeur de manifeste. Les Nabis, prophètes de l’art, vont « renouveler durablement les arts décoratifs, voulant faire de l’art en tout et partout. » (dossier de presse, p. 8)

3. Maurice Denis, Les Fiancées, dit Triple portrait de Marthe (détail) [1892], huile sur toile, 37 x 45 cm, Saint-Germain-en-Laye, Musée départemental Maurice-Denis « Le Prieuré ». Photo : DR.

La section « Amours. 1890-1900 » retrace les années heureuses de Denis, qui connaît le bonheur conjugal et familial grâce à son épouse Marthe Meurier, qui devient aussi sa muse et son modèle de prédilection. Au soir de sa vie, l’artiste se souviendra avec attendrissement de cette période : « La première période de ma peinture c’est l’amour, l’émerveillement devant la beauté de la femme et de l’enfant. Intimités passionnées. Je n’avais que peu de moyens. À quoi bon ? Ils suffisaient, l’expression de sentiments vrais seule comptait. » (extrait de son « Journal », 31 décembre 1939) Il est indéniable que les toiles peintes au cours de la dernière décennie du XIXe siècle célèbrent les joies de la famille tout autant que la profondeur des sentiments qui unit le couple. Le style du peintre peut alors être rapproché du symbolisme, tant la plupart de ses toiles baignent dans un mysticisme profond et assumé. L’Échelle dans le feuillage (1892), qui montre en légère contre-plongée plusieurs femmes accrochées aux barreaux d’une échelle, s’éloigne de tout anecdote et transforme la scène en une vision éthérée, comparable à un envol d’anges. Le Triple Portrait de Marthe, également connu sous le titre Les Fiancées, et daté de la même année (ill. 3), témoigne pour sa part de l’influence de Gauguin et de l’École de Pont-Aven. Les trois visages représentent les différents stades de la transformation de la jeune fille en femme, de la vierge à la mère en passant par l’épouse. 

En juillet 1900, la perspective d’un quatrième enfant conduit le ménage à s’installer dans une demeure plus spacieuse dotée d’un jardin au sein duquel est édifié un vaste atelier. Durant cette ère d’« intimité précieuse », pour reprendre le titre de la troisième étape de l’exposition, Maurice Denis découvre Rome et l’art italien, avec une prédilection pour Raphaël, au point d’orienter ses expérimentations vers une forme de nouveau classicisme dont ses décors pour le Théâtre des Champs-Élysées (1912) constituent la plus significative illustration. Denis connaît alors le succès, et les commandes affluent. Marthe, toujours très présente dans ses toiles, pose aussi pour Maillol, Renoir ou Théo Van Rysselberghe. L’aisance matérielle qui en résulte permet à Denis de collectionner les œuvres de ses maîtres : Delacroix, Cézanne, Gauguin, Redon. Il achète aussi des tableaux à ses amis nabis, soutenant en outre la création artistique de ses proches, comme en témoigne son acquisition du Christ à la colonne de Georges Desvallières, ami de Gustave Moreau.  

4. Maurice Denis, Annonciation à la fenêtre du Prieuré [1916], huile sur toile, 81 x 100 cm (avec cadre), 73,5 x 93 cm (sans cadre). Musée Denys-Puech, Rodez, n° d’inventaire 1955.4.1 ; D M 73. Photo : DR.

En juillet 1914, Maurice Denis acquiert à Saint-Germain-en-Laye un ancien hôpital général royal bâti à la fin du XVIIe siècle, surnommé « Le Prieuré », et qui connut après la Révolution plusieurs affectations, les lieux étant un temps occupés par une communauté de Jésuites. « Les Années Prieuré » montre comment le peintre a marqué les lieux de son empreinte pendant les trente dernières années de sa vie. L’édifice est intégré à de nombreux tableaux, telle l’Annonciation à la fenêtre du Prieuré (1916, ill. 4), qui mêle de façon harmonieuse une scène religieuse à un décor profane et familier qui évoque la peinture italienne et les icônes. Comme souvent chez Denis, le sacré est associé à la vie quotidienne, à l’enfance et à la vie domestique.

La Grande Guerre et la maladie de sa femme constituent autant d’épreuves douloureuses que la production artistique de Denis va s’attacher à transfigurer. La mort de Marthe, en 1919, en constitue le terrible épilogue. Cependant, une nouvelle existence va s’ouvrir pour le peintre avec la rencontre d’Élisabeth Graterolle, qui devient sa seconde épouse en 1922. Célébrée dans des toiles lumineuses, elle semble redonner une nouvelle vigueur à l’inspiration du peintre. Le Portrait de Lisbeth en bleu qu’il réalise dès septembre 1921 en donne une image radieuse et pleine de vie. Maurice Denis accompagne ce tableau d’une citation de Dante évoquant Béatrice : « m’illuminant d’un tel sourire qu’il rendrait un homme heureux, même s’il se trouvait dans le feu » (Le Paradis, chant VII, 1, 6). Élisabeth devient aussi la compagne d’Adam sous le pinceau de son époux : Ève dans la forêt (1924), choisi comme affiche de l’exposition, synthétise les recherches artistiques menées par le peintre depuis plusieurs décennies : influencé par Cézanne et les symbolistes, et attentif au legs de l’art classique, Denis a trouvé sa voie propre. La forêt, motif récurrent dans ses tableaux, sert de cadre symbolique à une scène empreinte de spiritualité diffuse. Ève apparaît de prime abord comme la figure centrale du tableau, au point d’en éclipser Adam, allongé près d’elle. La verticalité des arbres, à laquelle fait écho la posture du personnage féminin, incite cependant le spectateur à lever les yeux vers leur cime, sur laquelle se découpe le ciel, procédé qui suggère la présence divine sans la souligner de façon appuyée.        

Maurice Denis a soixante-neuf ans en 1939. La Seconde Guerre mondiale et son cortège de privations et d’angoisses affectent le couple, qui demeure à Saint-Germain. N’ayant jamais cessé de peindre, Maurice Denis meurt accidentellement en 1943 après avoir été renversé par un camion à Paris. Sa dernière demeure deviendra le musée qui porte son nom, et il est émouvant de pouvoir admirer aujourd’hui des œuvres dans le cadre même de leur élaboration. L’immersion offerte au visiteur est réussie, l’exposition parvenant également à nous plonger au cœur du processus de création.

Unis par le compagnonnage du groupe Nabi, Bonnard et Denis pratiquent tous deux une peinture intimiste et axée sur un constant travail de renouvellement des formes. Chacun sut toutefois se frayer un chemin personnel, le « calme et religieux Maurice Denis » (Camille Mauclair, « Préface », in Cinquième Exposition des Peintres impressionnistes & symbolistes, Paris, Girard, [1893], p. 5) conjuguant mysticisme et foi dans des toiles dégageant une apaisante sérénité, alors que le « chatoyant Pierre Bonnard » (ibid.) célébra la sensualité des êtres et des paysages magnifiés par ses feux d’artifice chromatiques. Il demeure néanmoins opportun de les mettre en parallèle, car l’un et l’autre proposent deux visions complémentaires de la modernité.

Olivier Sauvage

Catalogues :

Bonnard. Les couleurs de la lumière, S. Bernard, I. Cahn et Guy Tosatto (dir.), Paris : LienArt, 2021.

Maurice Denis, bonheur rêvé, F. Stahl (dir.), Paris : Réunions des musés nationaux-Grand Palais, 2021.

À lire :

M. Denis, Théorie (1890-1910). Du symbolisme et de Gauguin vers un nouvel ordre classique, Paris : L. Rouart et J. Watelin Éditeurs, 4e éd., 1920, rééd. Hachette/BNF, 2020.

A. Delannoy, Symbolistes et Nabis. Maurice Denis et son temps, Paris : Somogy, 1996.

A. Terrasse, Bonnard. « La couleur agit », Paris : Gallimard, coll. « Découvertes », n° 376, 1999.

P. Kostenevič, Bonnard et les Nabis, New York : Parkstone International, 2005.

G. Roque, La stratégie de Bonnard. Couleur, lumière, regard, Paris : Gallimard, coll. « Art et Artistes », 2006.

J. Clair, Bonnard, Paris : Hazan, 2006.

J.-P. Bouillon, Maurice Denis. Le spirituel dans l’art, Paris : Gallimard, coll. « Découvertes », n° 496, 2006.

J.-J. Lévêque, Maurice Denis, Paris : ACR Édition, coll. « PocheCouleur », n° 41, 2006.

G. Roque, Art et science de la couleur. Chevreul et les peintres, de Delacroix à l’abstraction, nouvelle édition revue et augmentée, Paris, Gallimard, coll. « Tel », n° 363, 2009.

P. Bonnard, Pierre Bonnard, Lyon : Fage, coll. « Paroles d’artistes », 2015.

G. Roque, Quand la lumière devient couleur, Paris, Gallimard, coll. « Art et Artistes », 2018.

G. Morel, Bonnard, Paris : Place des Victoires, 2018.

M. Denis, Maurice Denis, Lyon : Fage, coll. « Paroles d’artistes », 2018.

Pour citer cet article : Bonnard. Les couleurs de la lumière / Maurice Denis. Bonheur rêvé – par Olivier Sauvage, Société des études romantiques et dix-neuviémistes, 28/09/2022, consulté le 03/12/2022. URL : https://serd.hypotheses.org/11050.

Ces comptes rendus d’expositions sont publiés en complément des articles du Magasin du dix-neuvième siècle, revue annuelle de la SERD. Pour proposer un compte rendu, adresser un courrier à expoxix (chez gmail).


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